3Dソフトウェアを使いこなせるようになるべきか、芸術やデザインのスキルとセンスを磨くほうがいいのか、どちらを優先しますか？ 近年ますます競争が激化する３Dの分野では、芸術の基礎に焦点を当てた方がいいかもしれません。
近年、3D アーティストとして活動することは、刺激的で魅力にあふれていると同時に、不安なことも多くあります。 ほんの数年前には想像もできなかったことが、新しいツールがリリースされるたびに実現可能になり、ソフトウェアで制作できるものの幅が日々増えていっています。 そしてより高速なハードウェアは、これらのモデルを以前の数分の一の時間でレンダリングすることができるようになりました。 一方で、こうした技術進歩により参入障壁が低くなったことで、より多くの人がこの業界に参入するようになり、仕事やプロジェクトの競争が激しくなっています。
では３D アーティストとして成功するには、どのような未来設計をすればいいでしょうか。この記事では、3D アーティストとしての可能性を見出すのに、ツールやソフトウェアが必ずしも一番重要な要素ではないこと、そしてその内容を詳しく説明します。
3Dアーティストとして成功するための道筋について説明する前に、人々が一般的に3Dアートに興味を持つようになるさまざまな理由を見てみましょう。 友人や同僚からの影響、映画、ゲーム、またはソーシャルメディアの投稿など、３D作品に触れる機会は無数にあります。そしてその可能性に驚かされ、自分でも作ってみたいという気持ちになります。 そしてまず3D ツールを選択するわけですが、近年では、BlenderやUnreal が始めるツールとして人気です。
次に、そのソフトウェアの詳細やニュアンスを知ることから始めます。友人や同僚、潜在的な顧客など、他の人に見せられるほど良いものを作れるようになるまで、チュートリアルを見たり、さまざまなテクニックやツールを試したり、ソフトウェアで実験したりと何時間も費やします。
探索と学習の段階では、多くの異なるツールやテクニックに迷い、圧倒されてしまうことがあります。そして「良い3Dアートを作るには、ツールを使いこなすことだけが重要だ」と思い込むようになりがちです。ライティングツールやモデリングブラシを使えるようになったかと思えば、今度は機械学習アルゴリズムやナノ圧縮技術、プロシージャルメッシュなどすぐに新しい高度なテクニックが登場し、常に変化するツールの習得を追い求めようとします。そうすると、フラストレーションが溜まり、成功が手に入らないという思い込みが生じます。
この3Dアートを学ぶ際に生じがちな敗北感を克服する方法の 1 つは、ツールを目的地ではなく移動手段の車と見なすことです。 それらは目的を達成するための手段にすぎません。 ツールはそれ自体が目的ではありません。 確かに、上手に運転する方法を学ぶ必要がありますが、すべての車を運転する必要はありません。
成功するためにはツールに関する適切な知識が必要ですが、この分野での真の能力は、アートとデザインの基礎と原則を理解することから得られます。3Dアートは他の芸術と同様に、人間の目や心、精神に向けられたものであるべきです。 3Dは科学というより芸術です。つまり、技術的なスキルや知識も重要だが、3Dアートを成功させるには、強い芸術的ビジョンと創造的な表現が必要だということです。
3Dアーティストにとって、特にプロジェクトのレンダリング段階での時間管理スキルは重要です。信頼性の高いクラウドレンダリングサービスを利用することで、アーティストは時間を節約し、より効果的に納期に間に合わせることができます。また、 24 時間年中無休の 3D スペシャリストに相談することもできます。
基本や原則が、人間の知覚と芸術要素の関係を定義しています。つまり、人間がアートをどのように認識し、どのように作用するかを理解することで、アーティストはより魅力的でインパクトがあり、感情的に響く作品を作ることができるのです。この知識を作品に生かすことで、アーティストは技術的に優れているだけでなく、視覚的にも美しく、感情的にも魅力的な作品を作ることができます。
意欲的な 3D アーティストが習得すべき基本事項の一部を以下に紹介します。
ここで理解しておくべき重要なポイントは、3D の世界が最終的に 2D スクリーンに表示されることであり、ビデオやアニメーションであっても、最終的な結果は常に2Dの画像または画像のシーケンスです。
構図を上手に行うことは、見る人の注意をコントロールすることができるため、非常に重要です。シーンの前景、中景、後景に細かい要素を効果的に配置することで、アーティストは見る人の視線を誘導し、より魅力的で視覚的に楽しい体験を作り出すことができるのです。
構図は色 (後述) とともに、イメージの全体的な感覚を伝えるために重要です。そして3D アーティストとして成功するには、映画監督や写真家の目を養うことが大切です。被写体について考えた時、たとえばソーダのボトルを低い角度から見ると、実物よりも大きく、圧倒的な存在感を与えることができます。また、同じ被写体を真上から撮影すると、別の印象を与えます。このように、カメラの角度が異なると、視聴者にさまざまな感情的な影響を与える可能性があり、目的の効果を得るには、シーン内のオブジェクトの配置とカメラ自体を慎重に検討する必要があります。
構図がデザイン要素を視覚的に魅力的に配置することを意味するのに対し、比率は幅と高さの比率など、これらの要素間の関係を表します。さらに、プロポーションが重要なのは、私たちが物体をどのように認識するかに影響するからであり、例えば、子犬の特徴のプロポーションはかわいく見えるし、ワニの特徴のプロポーションはごつごつして大きく、怖く見えます。芸術家は、人間の脳の自然な反応を利用してデザインするのです。
色は、創造的なプロセスにおいて人間の感情に影響を与えます。 3D作品に使用される色の特定の色相、色彩、色調は、鑑賞者が作品をどのように認識し、どのように感じるかに大きな影響を与えることができます。
構図、比率、色彩理論は、ビジュアルアーティストにとって重要な多くの原則や基礎のうちの3つに過ぎません。 以下で、あらゆる分野のビジュアル アーティストにとって普遍的な道しるべとなる概念を紹介します。
基礎：
原則：
新しい道具の使い方を覚えるのと同じように、芸術の原理や基礎のスキルを高めることに集中しましょう。 研究、学習、実践に時間と労力を費やすことで、創造的資質が向上します。 そして、創造的なアウトプットを向上させることで認知され、より良いポジションやより多くのお金を得ることができるといった他の利点があります。
成功する3Dアーティストになるには、2つの異なるスキルセットの組み合わせが必要です。 1つ目は、高品質で美しい作品を作るために必要な、芸術の原理と基礎の強固な基盤です。もうひとつは、3Dソフトウェアやツールを効果的に使用するために必要な技術的知識と専門性です。新しい自動化されたツールはアーティストにとって便利ですが、芸術的なスキルや創造性の代わりとして使うべきではありません。
3D アーティストになるための探求において、作品の技術的な側面に集中するあまり、自分の作品をユニークで魅力的なものにする創造的・芸術的要素を見失ってはいけません。
