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할리우드에서 가장 비싼 영화 중 일부는 극장에 개봉할 때쯤이면 여전히 미완성인 것처럼 보입니다. 그러나 예산과 화질 사이의 이러한 괴리는 새로운 문제가 아니며 비현실적인 마감일, 잘못된 연출, 기술 오용 등으로 인해 업계에서 계속 반복되고 있는 문제입니다. 미이라2나 저스티스 리그와 같은 영화는 급한 후반 작업과 잘못된 의사소통이 블록버스터급 순간을 망칠 수 있다는 것을 보여줍니다. 최근 개봉한 아길레와 레드 원 같은 영화에서도 할리우드가 과거의 실수로부터 교훈을 얻지 못했음을 알 수 있습니다. 문제는 기술이 아니라 스튜디오가 기술을 사용하는 방식입니다.
시각 효과는 현대 프로덕션에서 가장 비용이 많이 드는 부분 중 하나이지만, 모든 나쁜 장면 뒤에는 촬영 중 범위 변경, 프로덕션과 포스트의 기대치 불일치, 반복 작업에 대한 잘못된 시간 우선순위 지정 등의 이야기가 숨어 있는 경우가 많습니다.
보통 모호한 크리에이티브 방향이나 미완성된 대본에서 시작됩니다. 그러면 임시방편적인 아이디어로 급하게 촬영을 진행하게 되고, 그 결과 불가능한 수정 작업을 VFX 팀에 떠넘기게 됩니다. (The Guardian) 기반이 마련되지 않았기 때문에 이펙트는 촉박한 마감 기한에 따라 임시방편으로 만들어집니다. 하나의 취약한 링크가 다음 링크를 촉발하고, 영화가 포스트에 올랐을 때는 이미 손상이 완료된 후입니다. 이러한 도미노 효과는 도구가 부족해서가 아니라 프로세스가 같은 곳에서 계속 깨지기 때문에 반복적으로 발생합니다.
혹평을 받는 CGI 영화 뒤에는 더 나은 작품이 될 수 있었음에도 불구하고 과로와 불안정성, 잘못된 의사소통으로 점철된 업계에 발목이 잡힌 아티스트들이 있습니다. VFX 전문가들은 디지털 워크플로우에 익숙하지 않은 감독으로부터 “더 사실적으로 만들어라”와 같은 모호한 지시를 받으며 긴 야근, 무급 초과 근무(Vani), 촉박한 마감일에 직면하는 경우가 많습니다. 한때 높은 시각적 기준으로 유명했던 마블과 같은 스튜디오는 양이 장인 정신보다 우선하는 ‘조립 라인’ 환경으로 인해 급조된 애니메이션, 미완성 텍스처, 눈에 띄는 품질 저하로 인해 VFX 아티스트들로부터 비난을 받아왔습니다.
"마블 쇼 작업은 제가 VFX 업계를 떠나게 된 계기가 되었습니다. 마블은 끔찍한 고객이고, 과로로 쓰러지는 동료들을 너무 많이 보았고, 마블은 지갑 끈을 조이는 반면, 저는 너무 많은 동료들을 보았습니다.- 전 가디언즈 오브 갤럭시 VFX 아티스트 드루브 고빌
할리우드는 실제 세트, 미니어처, 애니매트로닉스를 신뢰했습니다. 쥬라기 공원과 에이리언은 수작업으로 만든 사실적인 괴물로 관객을 공포에 떨게 한 영화의 완벽한 예입니다. 그러나 기술이 발전함에 따라 스튜디오는 더 빠르고 안전하며 유연해 보이는 CGI로 실제 솔루션을 대체하기 시작했습니다. 그 결과 디지털 환경은 실에 매달린 모형보다 더 형편없어 보일지라도 기본이 되었습니다.
“오늘날에는 디지털 효과로 무엇이든 아주 쉽고 간단하게 할 수 있다고 생각하며, 그 자체가 위험하다고 생각합니다. 왜냐하면 그것이 실제가 아니고 디지털이라는 느낌을 받음으로써 공포 요소가 사라지는 경우가 많다고 생각하기 때문입니다.” - 리들리 스콧 (Far Out Magazine)
나쁜 CGI에 대한 논의에서 미이라2(2001)를 빼놓을 수 없습니다. 드웨인 존슨의 반은 인간, 반은 전갈로 분장한 미이라 버전은 여러 가지 잘못된 이유로 끔찍해 보였습니다. 조명은 장면과 어울리지 않았고 애니메이션은 고무 같았으며 텍스처는 플라스틱처럼 보였습니다. 클라이맥스를 장식해야 할 장면이 영화 역사상 가장 조롱받는 순간 중 하나가 된 것입니다.
저스티스 리그(2017)에는 다른 스튜디오와의 계약으로 인해 헨리 카빌의 얼굴 털이 디지털 방식으로 지워진 악명 높은 '콧수염 사건'이 있습니다. 그 결과 윗입술이 휘어진 슈퍼히어로가 등장해 말을 할 때마다 시청자의 주의를 산만하게 만들었습니다. 다른 CGI 아티스트들도 이 점을 지적하고 이를 수정하기 위해 노력했으며, 심지어 코리도 크루처럼 콧수염을 다시 붙이는 데까지 나아갔습니다.:
2010년에 개봉한 버데믹: 쇼크 앤 테러는 CGI를 사용하지 않는 방법을 보여주는 당황스러운 쇼케이스입니다. 컴퓨터로 생성된 새들은 어색하게 날갯짓을 하거나, 비행 중 정지해 있거나, 종종 공중에 움직이지 않고 떠다니는 등 살아있는 생물이라기보다는 화면을 가로지르는 클립아트처럼 느껴집니다. 오싹한 생태 스릴러가 의도치 않은 패러디가 되어, 부실한 시각 효과가 공포를 순수한 유쾌함으로 바꿀 수 있다는 것을 증명합니다.
메가폴리스는 막대한 예산에도 불구하고 설득력 없는 그린 스크린 효과와 부실한 합성으로 비판을 받았습니다. 장엄한 느낌을 주어야 할 장면은 종종 밋밋하고 인위적으로 보였고, 배경은 몰입감보다는 붙여 넣은 것처럼 보였습니다. 비평가들은 영화의 시각적 야망이 미완성되고 무대처럼 느껴지는 VFX로 인해 약화되었다고 지적했습니다.
2억 5천만 달러의 막대한 예산(Theguardian.com)이 투입된 레드 원은 시각적인 승리를 거두었어야 했습니다. 하지만 유튜브의 비평가들과 Corridor Crew와 같은 VFX 리뷰 채널에서는 예산 대비 품질이 부족하다는 점을 지적했습니다. 이 영화는 실제 환경을 자연스러워 보이려고 노력하지 않은 인공 환경으로 대체했습니다.
마블 시네마틱 유니버스는 한때 대형 스크린 스펙터클의 기준을 세웠지만, 최근 프로젝트는 예산 절감이라는 비난을 받고 있습니다. 마담 웹의 영상은 이미 부실한 CGI, 대본 작성 등으로 인해 비판을 받은 바 있습니다.
CGI가 실패하는 가장 일반적인 이유는 통합이 제대로 이루어지지 않기 때문입니다. 디지털 오브젝트가 실사 판의 조명, 그림자 또는 카메라 움직임과 일치하지 않으면 즉시 분리된 느낌이 듭니다.
사람과 같은 캐릭터가 실제 사람처럼 행동하지 않을 때 우리는 이를 알아챕니다. 스콜피온 킹(미이라2)의 디지털 드웨인 존슨은 이 언캐니 밸리 효과에 깊이 빠져 있습니다. 얼굴 표정, 눈동자 움직임, 피부 시뮬레이션에는 섬세함이 필요하며, 작은 불일치만으로도 디지털 얼굴이 섬뜩하게 보일 수 있습니다.
그린 스크린 합성을 사용하면 제작 과정에서 유연성을 확보할 수 있지만 대가가 따릅니다. 배경이 완전히 대체되면 실제 깊이가 부족하여 이미지가 평평해집니다. 배우가 공간에 거주하지 않고 공중에 떠 있는 것처럼 보일 수 있습니다.
사실적인 디지털 이미지를 제작하는 데는 Pixune 기준으로 약 2,000달러에서 10,000달러의 비용이 듭니다. 복잡한 시뮬레이션이나 캐릭터 작업의 경우 이 수치는 몇 배로 늘어날 수 있습니다. 슈퍼히어로 영화에 2,000개 이상의 이펙트 샷이 사용된다는 점을 고려하면 그 총액은 엄청나게 커집니다.
미국의 경우, 2018년 한 편의 장편 영화에 들어가는 CGI 및 애니메이션의 평균 비용은 3,370만 달러(Adobe)에 달했으며, 하이엔드 CGI 제작 비용은 일반적으로 분당 2만 달러에서 10만 달러 이상(Animation Iconic)으로 그 이후에도 계속 상승하고 있습니다. 아이러니한 점은 이러한 영화를 가능하게 하는 막대한 예산이 너무 빨리 개봉해야 한다는 압박감으로 인해 아티스트들이 미완성된 작품을 서둘러 공개해야 한다는 점입니다.
돈이 품질을 자동으로 구매하지는 않습니다. 플래시(2023)와 저스티스 리그는 막대한 지출로 인해 실망스러운 결과를 낳은 대표적인 예입니다. 제작자가 막판에 변화를 주면 아무리 뛰어난 팀이라도 일관성을 유지할 수 없습니다. 시간이 다 되기 전에 승인을 받기 위해 하나의 샷에 대해 수백 가지의 대체 버전을 제공하는 VFX 스튜디오가 드물지 않습니다.
실제 효과는 초기 비용이 더 들지만 일반적으로 장기적으로는 더 좋아 보입니다. 인형이나 소품은 우아하게 늙어가는 반면, 오래된 CGI는 더 이상 볼 수 없게 됩니다. 스튜디오는 종종 재촬영의 유연성 때문에 디지털로의 전환을 정당화하지만, 이러한 단기적인 이점이 더 나은 스토리텔링으로 이어지는 경우는 드뭅니다. 관객들은 여전히 괴기스러운 물리적 변형으로 인해 더 씽(1982)을 기억할 뿐, 그 뒤를 이은 2011년 CGI 프리퀄을 기억하지 않습니다.
나쁜 CGI의 가장 큰 피해자는 역시 시간입니다. 스튜디오는 종종 불완전한 영상을 VFX 팀에 넘기고 몇 주 안에 완벽하게 렌더 된 장면을 요구합니다. 마감일이 완성도보다 우선시되고, 품질 관리가 무너질 때까지 수정 작업이 쌓입니다. 그 결과 인위적이고 미완성된 느낌의 영상이 완성됩니다.
나쁜 CGI와 좋은 CGI의 차이는 종종 절제에서 비롯됩니다. 미스트(2007)와 에이리언: 로물루스(2024)는 디지털 효과를 적절히 사용하여 실제 조명 및 카메라 워크와 결합하여 분위기를 조성합니다. 크리처와 환경이 현실 세계와 매끄럽게 어우러져 스토리를 방해하지 않으면서도 환상을 유지합니다.
사전 시각화를 통해 영화 제작자는 카메라가 돌아가기 훨씬 전에 VFX 샷을 디자인할 수 있습니다. 이 단계를 건너뛰면 아티스트가 사후에 부족한 부분을 채워야 하므로 원근감이 맞지 않거나 타이밍이 어색해질 수 있습니다. 잘 계획된 시퀀스는 VFX 팀에게 명확한 로드맵을 제공하므로, 이 예시에서 볼 수 있듯이 수많은 블록버스터를 망치는 무모한 추측을 방지할 수 있습니다( Green Gold VFX 스튜디오).
저예산 영화는 스펙타클로 장면을 과부하시키는 대신 CGI를 전략적으로 사용하여 이미 존재하는 것을 강화합니다. 많은 독립 공포 및 공상 과학 영화가 시각적으로 성공하는 이유는 규모보다는 톤과 구성에 집중하기 때문입니다. CGI를 얼마나 많이 사용하느냐가 중요한 것이 아니라 얼마나 의도적으로 사용하느냐가 중요한데, Tomorrow's Filmmakers는 이 주제에 대한 다음 동영상에서 이를 잘 보여줍니다:
AI는 이미 VFX 환경을 재편하기 시작했습니다. 로토스코핑, 클린업, 오브젝트 추적과 같은 작업을 자동화하여 몇 주에 걸친 수작업을 절약할 수 있습니다. 이는 제작 속도를 획기적으로 높일 수 있지만, 모든 사람이 예술적 재량 없이 동일한 툴을 사용할 경우 영화의 룩이 획일화될 위험도 있습니다.
일각에서는 AI가 VFX 인력을 줄이고 많은 초급 직책을 대체할 수 있다고 예측하지만, 이러한 변화가 품질을 향상시킬지 아니면 단순히 비용을 절감할지는 의문입니다. AI가 아티스트를 대체하는 것이 아니라 보조하는 역할을 한다면 창의성과 개선에 더 많은 시간을 할애할 수 있습니다. 하지만 스튜디오가 주로 비용 절감을 위해 AI를 사용한다면, 블록버스터마다 똑같이 생긴 영혼 없는 템플릿 비주얼이 범람할 수도 있습니다.
향후 몇 년 동안 AI가 예술성을 위한 도구가 될지, 아니면 평범함을 위한 지름길이 될지 결정될 것입니다. 기술 자체가 문제가 아니라 업계에서 이를 사용하는 방식이 문제입니다. 영화 제작자가 CGI와 AI를 임시방편이 아닌 스토리텔링 도구로 다룰 때, 생생하고 현실감 있는 세계를 만들 수 있습니다. 그렇지 않다면 세계 최악의 CGI 영화 목록은 계속 늘어날 것이고, 한 번에 10억 달러짜리 실망스러운 영화만 계속 나올 것입니다.
"분명히 말씀드리지만 이 영화는 사라지지 않을 것입니다. 이 기술은 분명히 여기에 있을 것이고, 우리는 이 기술을 파이프라인에서 사용하고 있거나 파이프라인으로 새고 있습니다. [... ] 따라서 레이아웃 월드와 포즈 추정, 얼굴 이해, 이미지 클린업, 텍스처 합성 등에 활용되고 있지만 인간을 대체하지는 않을 것입니다. - VFX 감독 인터뷰 중
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