3D 아티스트로서 소프트웨어를 마스터해야 할지 아니면 예술과 디자인 테크닉을 키워야 할 지 고민이십니까? 갈수록 경쟁이 치열해지는 3D 분야에서는 아트의 기초에 집중하는 것이 좋습니다.
요즘 3D 아티스트에 입문하는 것은 설레이기도 하지만 두려움이 앞설 수 있습니다. 또한 소프트웨어 측면에서는 새로운 버전 출시마다 가능한 것과 그렇지 않은 것 사이의 격차가 줄어들고 있습니다. 즉, 불과 몇 년 전만 해도 상상할 수 없었던 것이 오늘날에는 일상입니다. 하드웨어로 인해 렌더링 시간이 크게 단축되었으며 이와 동일한 개선 사항으로 인해 진입 장벽이 낮아져서 3D 업계가 그 어느 때보다 인기를 끌며 많은 인파가 몰리고 있습니다.
성공적인 3D 아티스트가 되기 위한 진로를 어떻게 계획해야 할까요? 오늘 이 글을 통해 도구와 소프트웨어가 3D 아티스트로서의 잠재력에 도달하는 데 있어 반드시 결정적인 요소는 아니라는 것을 보여드리고자 합니다.
3D 아티스트로서 성공하는 방법에 관해 이야기하기 전에 먼저 3D 아티스트의 일반적인 경로를 살펴보겠습니다. 3D를 시작하게 되는 계기는 대체로 친구, 동료, 영화, 게임 또는 소셜 미디어 게시물 등 무수히 많습니다. 여러분은 가능성에 놀라며 영감을 받아 직접 만들어 보기 시작합니다. 우선 3D 도구를 고르십시오. 최근 이 시작점은 일반적으로 Blender 또는 언리얼입니다.
그런 다음 선택한 소프트웨어의 세부 사항과 사용법을 터득하고자 깊이 파기 시작합니다. 튜토리얼을 보고, 테스트 하고, 여러번 시행착오를 거듭하며 다른 사람에게 보여줄 수 있는 괜찮은것을 만들 수 있을 때까지 수 시간을 보냅니다.
그러나 이러한 탐구와 학습 단계는 여러분을 함정에 빠뜨리며 압도할 수 있습니다. 그리고 이것은 여러분을 결국 좋은 3D를 만드는 것은 단지 도구를 잘 사용하는 것의 문제라고 생각하게 만들 수 있습니다. 조명 도구와 모델링 브러시를 다루기 시작한 바로 그 때, 학습 알고리즘과 나노 압축 기술 및 절차적 메쉬 제작이 등장합니다. 성공적인 3D 아티스트가 되려면 끊임없이 변화하는 도구에 숙달되기 위해 계속 학습해야 한다는 확신이 들기 시작하는데, 이는 결코 달성할 수 없는 것이므로 결코 성공할 수 없다는 것을 의미합니다. 무척 암울하게 들리지 않습니까?
이런 패배주의적 사고에서 벗어나는 한 가지 방법은 도구를 목적지가 아닌 수단으로 보는 것입니다. 그것들은 목적을 위한 수단일 뿐입니다. 도구 그 자체는 목적이 아닙니다. 운전을 잘하는 것도 중요하지만 모든 차를 운전할 필요는 없는 것과 같습니다.
도구에 대한 적절한 지식은 성공하기 위해 필수적이지만, 진정한 3D 능력은 예술과 디자인의 기본과 원리에 대한 이해에서 나옵니다. 3D는 다른 예술 형태와 마찬가지로 인간의 눈, 마음, 그리고 감정을 향해야 합니다. 궁극적으로 3D는 과학보다 예술입니다.
프로젝트를 수행할 때 시간을 최적화하는 방법을 아는 것은 좋은 3D 아티스트가 투자하는 또 다른 중요한 기술입니다. 프로젝트의 렌더링 단계와 관련하여 온라인 렌더팜 가라지팜은 합리적인 가격으로 안정적인 클라우드 렌더링 서비스를 제공하고 전문적인 3D 기술자들로 구성된 연중무휴 지원 팀의 도움을 받음으로써 3D 아티스트가 마감일을 준수할 수 있도록 지원합니다.
기본과 원칙은 인간의 의식과 예술 요소 사이의 관계를 정의하는 것 입니다. 일단 이 지식이 우리 작품의 질에 가져올 수 있는 힘을 진정으로 파악할 수 있다면, 단순히 괜찮은 것에서 훌륭한 것으로 진화할 수 있을 것입니다.
다음은 3D 아티스트 지망생이라면 누구나 잘해야 할 몇 가지 기본 사항들을 소개합니다:
여기서 파악해야 할 중요한 점은 3D 아트의 세계는 결국 2D 스크린에 나타나게 된다는것입니다. 그리고 항상 작품을 2D 영상으로 볼 수 있도록 배치해야 합니다. 심지어 비디오와 애니메이션도 2D 이미지의 시퀀스일 뿐입니다.
구도를 잘하게 되면 시각 예술에 있어서 중요한 것, 즉 보는 이의 주의를 통제하는 것을 더 잘 할 수 있습니다. 씬의 전경, 중간, 배경에 세부 구성 요소를 효과적으로 배치하는 방법을 배움으로써 보는 사람의 눈이 어디로 가는지 안내할 수 있습니다. 보는 사람의 주의를 통제하는 것은 훌륭한 시각적 경험을 만드는 데 중요합니다.
구성은 (추후 논의 될) 색과 함께 여러분이 이미지로 전달하고 싶은 전체적인 느낌과 많은 관련이 있습니다. 여기서 여러분은 영화 제작자나 사진작가의 안목을 키워야 합니다. 그렇게 하면 3D 아티스트로서 성공하는 데 큰 도움이 될 것입니다. 예를 들어 탄산음료 한 병을 낮은 각도에서 보는 것은 실제보다 더 크고 매우 뛰어난 품질을 제공합니다. 위에서 같은 피사체를 내려다보면 좀 더 흥미롭게 보입니다. 우리는 다른 각도의 카메라들이 가질 수 있는 모든 감정적 효과를 여기에 나열할 수는 없지만 기억해야 할 점은 이것입니다: 구도를 작업할 때 여러분은 씬의 오브젝트의 배치 뿐만 아니라, 아마도 더 중요한 것은 카메라의 배치에도 신경을 써야 합니다. 그리고 이것들은 아티스트로서 염두해야 할 결정 사항들입니다.
구성은 최종 이미지를 배치하는 원칙을 캡슐화하는 반면, 비율은 설계 요소 간의 관계를 설명합니다. 예를 들어, 요소의 폭과 높이 사이의 비율은 비율에 대한 연구입니다. 비율은 우리가 강아지를 귀여운 동물로 볼 수 있게 해주고 반면 악어는 부피가 크고 무섭다고 느끼게 합니다. 인간의 뇌는 특정한 감정을 특정한 형태와 연결하도록 진화했습니다. 예술가들은 단순히 자연이 우리에게 제공한 것을 이용하고 적용합니다.
색은 창의적인 과정과 인간의 감정에서 근본적인 역할을 합니다. 3D 작품을 위해 선택된 색상의 색조, 가치, 색조는 작품이 보는 이들에게 어떤 느낌을 주는지에 큰 역할을 합니다.
구성, 비율, 색상 이론은 많은 원리과 기초 중 세 가지에 불과합니다. 아래는 모든 분야의 시각 아티스트를 위한 보편적인 가이드 포스트 역할을 하는 개념의 정리들입니다:
기초:
원리:
이러한 원칙과 기본 사항에 대해 연구하고 학습하며 마치 또 다른 중요한 도구를 배우는 것과 같이 하십시오. 일단 여러분의 창의적인 실력이 키워지면 그것은 창의적인 결과물의 개선으로 이어질 것 입니다. 그리고 여러분이 창의적인 산출물을 개선하는 데 집중할 때, 업계에서 차츰 두각을 나타내며 유명해지면서 수입이 늘어나게 될 것입니다.
성공적인 3D 아티스트가 되는 것은 두 세계의 융합입니다. 예술의 일반적인 원리와 기본, 도구와 기술의 노하우입니다. 보다 새롭고 자동화 된 도구는 예술성을 대체하기 위한 것이 아니라 예술성을 높이기 위한 수단입니다.
3D 아티스트가 되기 위한 탐구에서 3D에 절대 여러분 자신의 목표를 빼앗기지 마십시오.
